30/8/13

• Referentes personales (III): de 1980 a 1984


En febrero de 2012 inicié una serie de artículos dedicados a mostraros algunos de los fotógrafos, libros y revistas que más me han gustado a lo largo de mi trayectoria como fotógrafo, con la idea de compartir autores u obras interesantes que quizás algunos de vosotros desconozcáis. Para disfrutar a fondo de estas entradas, una vez leídas os recomiendo seguir los numerosos enlaces que incluyo. También incluyo algunas referencias a cámaras de la época como referencia histórica.

Hoy os ofrezco la primera mitad de los años ochenta, una década importante para mí porqué significó el paso de la fotografía como afición a profesión.

Lamentablemente, en Internet hay poca información o imágenes de algunos de los autores de los 80 y se hace difícil valorar ahora sus espléndidos o innovadores trabajos. Mis autores favoritos los he destacado con un asterisco *

Referentes personales (I): Fotógrafos, revistas y libros
Referentes personales (II): La década de los 70


LOS AÑOS 1980-1984


La Canon A1 (1978-1985) con su Motor Drive opcional con doce pilas AA que permitía fotografiar a 5 fps


La década de los ochenta marcó mi progresiva entrada en el mundo de la fotografía profesional. En 1980, a los 22 años de edad, obtuve el título de Diseño Gráfico. Y ese mismo año, gracias a los ingresos obtenidos con el pago de unas fotografías para un libro escolar, pude comprar mi primera cámara profesional: una Canon-A1. A título comparativo os diré que costó 47.360 pesetas (unos 284 €). El equivalente actual a una A-1 vendría a ser la EOS 5D MkIII, que cuesta hoy en día exactamente diez veces más. Por encima de ella tan sólo estaba la F1, la abuela de las actuales EOS-1D. 

(Por cierto, las tarifas de comercialización de fotografías no se han multiplicado por diez como el precio de las cámaras. Hoy en día no son más elevadas, si no a veces incluso más bajas que las que me pagaron por aquel libro, hace ya 33 años.)


Rebecos corriendo, Parc National des Pyrénées, Francia (1981)
Canon A1, Tamron SP 500 mm f:8 Réflex, Kodachrome 64, f:8 Av
© Oriol Alamany

Desde 1977 había estado fotografiando con una Konica TC (Ver capítulo II), pero lo limitado de la gama de ópticas de esta marca, que no disponía de teleobjetivos, me empujó al cambio. Por aquel entonces yo utilizaba como teleobjetivo un Tamron SP 500 mm f:8 Réflex de montura intercambiable que no era ninguna maravilla. ¿Porqué a la hora de una decisión tan trascendental como escoger una marca de cámara me decidí por Canon, cuando en aquellos años los profesionales se decantaban más por Nikon? 

Lo cierto es que estuve a punto de comprar una de las maravillosas Contax RTS o 137 de la época con sus ópticas Zeiss. Pero al final escogí marca en función de un teleobjetivo en concreto y no de una cámara: el inigualable FD 400 mm f:4.5 SSC, el primer teleobjetivo del mundo con enfoque interno. Ello hacía que fuera ligero, luminoso y permitía ajustar el foco de manera rápida y suave, algo de gran importancia para la fotografía de animales salvajes en un mundo donde aún no existía el enfoque automático. Para los fotógrafos de fauna eran los tiempos de los voluminosos teleobjetivos Novoflex 400 mm de enfoque rápido (mediante una ingeniosas empuñadura de gatillo),  los pequeños 500 mm catadióptricos o réflex, o el malo Vivitar 400 mm f:5.6. Nikon tenía un 400 mm f:5.6 pesado, voluminoso y que tenías que haber ido al gimnasio para enfocar con su duro helicoide. Ni tan siquiera habían aparecido aún los que luego serían famosos (por lo baratos) Sigma 400 mm f:5.6 Apo. La opción de Canon era mucho más avanzada y luego todos los teleobjetivos del mundo acabarían siendo de enfoque interno.

Respecto a las películas, eran los tiempos de las diapositivas Kodachrome 25 y 64 ASA (ASA=ISO, era la unidad que su usaba en aquel momento) contra el granuloso Agfachrome 100. Luego aparecería un desconocido Fujichrome que, mejorando emulsión tras emulsión, se haría con el mercado en los 90.

Canon FD 400 mm f:4.5 SSC
(Fabricado desde 1975 hasta 1981 y luego substituido por una nueva versión hasta 1989).

En un mundo aún meramente físico, nada virtual, la Librería Francesa o la recién abierta Toc's eran mis librerías preferidas (Hoy en día ambas están lamentablemente cerradas).  Tras unos años comprando la revista francesa Photo Reporter, cambié a la británica Camera que me introdujo a otro tipo de estilos y fotógrafos. Mi hermano Raimon compraba las francesas Zoom y Photo, así que por casa corrían revistas de fotografía en cantidad (A eso habría que añadir las de carreras de automóviles como Autopista o Fórmula, a las que todos los hermanos éramos muy aficionados). 

Camera me permitió descubrír muchos autores interesantes, entre otros al austríaco ERNST HAAS* (1921-1986), fotoreportero que fue presidente de la agencia Magnum y que (al igual que recientemente ha hecho Sebastiao Salgado con su libro "Genesis") dedicó varios años de su vida a documentar la naturaleza del planeta en su libro The Creation, que por aquel tiempo fue una revolución por el impactante uso que hizo del color. Vale la pena echarle una buena mirada a su web.


Imagen de "The Creation", Ernst Haas (entre 1970 y 80)

Ernst Haas trabajando en su obra "La Creación" con una Leicaflex y el teleobjetivo Telyt 400 mm f:6.3 (con enfoque rápido por raíles en lugar del clásico helicoide).


Western Skies Motel, Ernst Haas (1978)


El estadounidense JAY MAISEL* es otro maestro absoluto que me descubrió Camera. Maisel trabajó como fotógrafo comercial hasta los años 90, cuando lo dejó para dedicarse por completo a su trabajo personal y a la docencia. Sus imágenes resultan fascinantes por el uso que hace del color y de la luz.

Niebla en el bosque, Jay Maisel


Casa y cañas, Jay Maisel

Casi todos esos autores eran fotoreporteros que trabajaban con película de diapositivas Kodachrome en formato 24x36. En cambio, JOEL MEYEROWITZ(y 2), apostaba por las cámaras de gran formato y reivindicava el uso del color en la fotografía artística, algo aún denostado por algunos en aquella época. Sus imágenes de moteles y gasolineras con luces crepusculares del libro Cape Light (1979) aún me vienen a la cabeza cada vez que recorriendo carreteras por esos mundos me encuentro en situaciones parecidas.





Autobús-vivienda en la carretera Panamericana, Norte Grande, Chile (2004)
Recordando las luces de Meyerowitz
Konica-Minolta A2
© Oriol Alamany

 


Aunque para muchas personas ANSEL ADAMS es el máximo exponente de la fotografía paisajista norteamericana, a mí me gusta más ELIOT PORTER* (1901-1990), cuyo trabajo en color me resulta de mayor interés. Porter tiene un libro realmente único: The place no one knew (1963) sobre el espectacular Glen Canyon. Porter lo fotografió durante meses antes de que la construcción de un embalse lo anegara por completo. El impacto del libro fue inmediato, al mostrar toda la belleza que ya nadie vería nunca más. De hecho aún hoy en día existe un movimiento popular que pretende hacer destruir la presa para recuperar lo que quede de aquel paisaje de excepcional belleza.


Al contrario que Adams, más conocido por sus trabajos sobre Estados Unidos, Porter fotografió también en otros países del mundo, editando libros sobre Antártida o Islandia, por ejemplo. Ahora que esta isla está tan de moda entre los fotógrafos actuales, vale la pena revisitar el trabajo que hizo allí Porter hace años.


Glen Canyon, Eliot Porter (Hacia 1960)

Flowers, Eliot Porter

Documental Eliot Porter, a look back (1991)


       


Pero no todo van a ser anglosajones: las revistas francesas Grands Reportages (que compraba mi hermano Raimon) y Terre Sauvage me mostraron el trabajo de diversos fotógrafos europeos. Unos de los que más nos gustaron fueron la pareja ROLAND y SABRINA MICHAUD*, autores del libro Caravanes de Tartarie, un verdadero clásico de la fotografía de viajes.

Portada del libro Caravanas de Tartarie (1977)

Otro fue el suizo GEORG GERSTER, creo que el primer fotógrafo que exploró las posibilidades gráficas y artísticas de la fotografía aérea. Eso casi dos décadas antes de que Yann-Arthus Bertrand realizara su gran proyecto La tierra desde el cielo de características tremendamente similares al trabajo de Gerster.

En su web este fotógrafo afirma: "La altura proporciona una visión general. Y una visión general facilita el conocimiento, mientras que el conocimiento genera consideración - tal vez."


Grand Prismatic Spring desde el aire, Georg Gerster

Camel caravan, Georg Gerster (1976)
Esta es quizás una de las ideas de Gerster más copiadas por fotógrafos posteriores.


Engandin marathon, Georg Gerster (1972)



En el año 1982 una película revolucionó la estética de toda una época: Blade Runner del director Ridley Scott. En un primer momento fue una obra poco conocida cuya fama iría creciendo con los años. Salí del cine fascinado por sus luces, sus encuadres, su ritmo, su impacto visual total. En un momento en que las películas nos mostraban un futuro impoluto de naves brillantes (2001 una odisea espacial, La guerra de las galaxias, Star Trek...), Ridley apostó por un universo oscuro y decadente. Lástima que este sea uno de los directores de cine con mayores altibajos en su carrera cinematográfica que contiene desde obras maestras a auténticos bodrios.

Mientras tanto yo seguía haciendo algo de fotografía de retrato y algún catálogo de moda, aún bajo la influencia de Hamilton (ver capítulo II), pero también probando cosas nuevas más conformes con la época y en base a lo que algunos fotógrafos estaban haciendo para las revistas de moda.


Anna en Vacarisses (1983)
Canon A1, 400 mm f:4.5 SSC, Kodachrome 64
© Oriol Alamany

Anna en Vacarisses (1983)
Misma sesión fotográfica, experimentando con estilos diametralmente opuestos
Canon A1, 28 mm f:2.8, Kodachrome 64, flash
© Oriol Alamany


La elegante Nikon FM (1977-1982), una de las últimas cámaras totalmente mecánicas, capaces de funcionar sin pilas. Una joya de la historia de la fotografía.



La obra "Sahara" de la colección de libros Time-Life

La feria del libro de ocasión que tiene lugar cada año en el Passeig de Gràcia de Barcelona era para mis hermanos y para mí una fuente económica de libros: allí comprábamos ejemplares atrasados de la revista National Geographic* (para mí, la mejor revista del mundo) o, en especial, libros de segunda mano de la colección Zonas Salvajes del Mundo* editada por Time-Life. Leer los libros de esta colección me trasladaba a los parajes salvajes y remotos que algún día quería conocer: los macizos desérticos del Tassili n'Ajjer y Hoggar en el Sahara, regiones de Canadá, Alaska, el Himalaya...

Una pareja de Págalos atacando a unas ovejas en las islas Shetland
(de un reportaje publicado en Periplo en 1977)
Cámara de formato 6x6, Película Kodak Ektachrome
© Gunter Ziesler

Una pareja de Págalos atacando a unas ovejas en las islas Shetland, 2013
Tres décadas después, este verano me topé con una situación parecida a una de las imágenes que más me gustaban de Günter Ziesler. Y debo decir que aún me sigue gustando mucho más la suya.
Canon EOS 5D MkIII, 500 mm f:4L IS + teleconvertidor 1,4X-III
© Oriol Alamany

Entre los diversos fotógrafos españoles que colaboraban en la revista Periplo y los libros de INCAFO (ver capítulo anterior) me llamó la atención el alemán GÜNTER ZIESLER*, que se convirtió en mi ideal de fotógrafo de la naturaleza. Aquel hombre hacía exactamente lo que yo soñaba hacer con mi vida: tenía una furgoneta Volkswagen que iba enviando por barco a distintos lugares del mundo, a los que luego él y su compañera Angelika iban en avión. Eso les permitía viajar de un modo económico durante largos períodos de tiempo sin pagar alquiler de vehículo, hoteles, ni restaurantes. En los años venideros mi compañera Eulàlia y yo utilizaríamos una estrategia similar, que nos permitiría viajar con presupuestos mínimos a lugares que de otro modo habrían sido muy costosos.

Leopardo al anochecer, Kenia
(de un reportaje publicado en Terre Sauvage en 1991)
© Gunter Ziesler

Gunter viajó así durante años por Sudamerica, ilustrando artículos de Periplo y libros de INCAFO. También trabajó durante un año en Kenia, publicando en 1984 su libro Safari.  En 1986 realizaría el primer trabajo fotográfico serio sobre los tigres salvajes de la India, obteniendo fenomenales tomas en el Parque Nacional de Ranthambore. Lamentablemente su sencilla web actual no permite disfrutar de ninguno de sus maravillosos trabajos. 

Creo que el estilo de vida de Ziesler fue el que más me ha influenciado: trabajar sólo con mi compañera, lejos de las grandes macroproducciones, viajando en furgonetas-vivienda en pleno contacto con la naturaleza, huyendo de hoteles y restaurantes.



Mariposa heliconida en vuelo, Venezuela, Stephen Dalton

En 1982 llegó a mis manos el libro The miracle of flight y en 1983 Caught in Motion: High Speed Nature Photography*del británico STEPHEN DALTON*. Aquel fotógrafo había llevado la fotografía de alta velocidad, iniciada por pioneros como Eric Hosking, a límites de insospechada perfección y belleza. Sus imágenes de aves, mariposas o libélulas en vuelo captadas con una Leica, película Kodachrome 25, una barrera fotoeléctrica y flashes construidos por ingenieros de la RAF (las fuerzas aéreas britanicas), tenían un encuadre y unas iluminaciones preciosas, que luego serían ampliamente imitadas por las siguientes generaciones de fotógrafos. 


Martín pescador llegando al nido, captado con una cámara Hasselblad, Stephen Dalton

En nuestro país algunos descubrieron la fotografía de alta velocidad en los años 90 de la mano de fotógrafos como Ricardo Vila o José Luis Rodriguez. Os recomiendo encarecidamente echar una mirada a los trabajos originales realizados por Stephen Dalton una década antes para ver donde nace este tipo de imágenes.

Rana saltando al agua, Stephen Dalton


Portada del disco "The complete Mike Olfield",
ilustrado con una fotografía de Stephen Dalton, realizada con una cámara Hasselbald y película Ektachrome.

En aquella época, en España era muy difícil conseguir barreras infrarrojas y flashes de alta velocidad. Entusiasmado por el trabajo de Dalton intenté hacer mis pinitos en ese campo con una célula de construcción casera montada dentro de una cajita amarilla de diapositivas Kodachrome. Pero este es un tipo de fotografía basada en el uso de abundante y complicado equipo y poca presencia del fotógrafo. Con el tiempo descubrí que me emocionaba mucho más estar con el ojo detrás del visor que esperando que unas células y flashes hicieran mi trabajo.

Sin embargo, con uno de aquellos experimentos gané en 1983 mi primer premio de una cierta envergadura: el Primer Premio Foto Natura-Kodak de la revista Natura, con una fotografía de un Cárabo común en vuelo. 

Cárabo (Strix aluco) en vuelo (1983)
Canon A1, FD 100 mm f:4 Macro, Película Kodachrome 64, barrera infrarroja y flashes
© Oriol Alamany

Las rapaces en general y las nocturnas en particular eran mi pasión en aquel momento. Desde el grupo Centre de Recerca i Protecció de Rapinyaires realizaba el seguimiento de diversas especies y el libro Owls of Europe* de Heimo Mikkola era mi libro de cabecera.


Fue aquella una época de intensa absorción de conocimientos y de practicar un poco de todo. Seguía trabajando en una tienda de deportes y como diseñador gráfico, hacía fotografías, documentales de naturaleza en cine Super 8, estudios de ornitología, escribía artículos e ilustraba libros.

Mochuelo boreal (Aegolius funereus)
Ilustración para el Atlas dels ocells nidificants a Catalunya i Andorra (1983)
© Oriol Alamany

Otra atractiva publicación de fotografía de los años 80 era la francesa Double Page. Se trataba de números monográficos de alta calidad de impresión dedicados al trabajo de un sólo fotógrafo. Aún conservo los dedicados a Harry Gruyaert (del que hablaré en el próximo capítulo), Fulvio Roiter y Teiji Saga.

TEIJI SAGA* era un empresario japonés que, tras trabar amistad con un fotógrafo que fotografiaba exclusivamente garcetas, se compró una Hasselblad y se dedicó a fotografiar únicamente los cisnes salvajes (Eso no debe ser raro en aquel país, ya que luego conocí a otro autor japonés que tan sólo fotografiaba una especie concreta de búho). Las evocativas imágenes de Saga, realizadas en la isla de Hokkaido en condiciones de frío extremo, dieron a conocer la odisea anual de estas aves. El mismo tema ha sido fotografiado de nuevo, décadas más tarde, por dos grandes figuras del siglo XXI como Vincent Munier y Stephano Unterthiner.



Cisnes cubiertos de nieve en Hokkaido, Teiji Saga


Multimedia con imágenes de Swans de Teiji Saga


¿Sabíais que las cámaras Hasselblad de formato 6x6 fueron inicialmente diseñadas para la fotografía de aves? Su creador, Victor Hasselblad era un gran aficionado a la fotografía de la naturaleza y las creo según sus propia necesidades.

Tras varios años recorriendo y fotografiando la Península Ibérica, el verano de 1983 realicé el primer viaje al extranjero con la intención de observar y fotografiar la naturaleza: con dos amigos cogimos un Seat 127  y condujimos hasta EscociaAquello me despertó las ganas por conocer otros países y las Navidades de 1984 planeamos otro viaje. Esta vez sería a Marruecos con una clásica furgoneta VW del amigo Jorge Puig (¡la misma que usaba Gunter Ziesler!). 

En aquel viaje conocí a una chica que resultaría trascendental en mi vida: Eulàlia Vicens. Desde entonces (y hace ya cerca de 29 años) somos compañeros de aventuras. Ese encuentro marco un punto y aparte en mi trayectoria fotográfica, así que hoy lo dejo aquí para continuar en el próximo capítulo sobre los autores y libros que conocí durante el resto de la década de los 80.


 Camión cargado de bereberes en las gargantas del Alto Atlas, Marruecos (1984)
Canon A1, 200 mm f:2.8, Kodachrome 64
© Oriol Alamany


Alpenglow en una khasba en los límites del desierto, Marruecos (1984)
Canon A1, 50 mm f:1.4, Kodachrome 64
© Oriol Alamany

(Continuará)

Referentes personales (I): Fotógrafos, revistas y libros
Referentes personales (II): La década de los 70
Referentes personales (III): de 1980 a 1984
Referentes personales (III): de 1985 a 1989
Referentes personales (IV): La década de los 90 
Referentes personales (V): Y llega el 2000

18 comentarios:

  1. Fabuloso. Muchas gracias Oriol por compartir esta maravillosa parte de la historia

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    1. Creo que es importante ver lo que algunos autores hacían hace treinta o cuarenta años, con unos medios mucho más limitados que los que disponemos hoy en día. Ahí se ve que lo realmente importante es la creatividad.

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  2. Estupenda entrada. Me ha encantado.

    un saludo

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  3. Muchas gracias Oriol por contarnos tu historia y por mostrarnos a estos grandes fotógrafos, algunos no los conocía.
    Saludos.

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  4. Molt interessant. A banda de la teva trajectòria m'han impressionat especialment dues fotografies. La teva del camió carregat de berebers la trobo sensacional, i la papallona verda de Stephen Dalton és, sincerament, una de les fotografies que més m'han impressionat mai.

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    1. Valentí, el libro Caught in Motion es una verdadera joya. Tan sólo por las acciones mostradas cualquiera de las imágenes ya sería excepcional. Pero Dalton le añade unas composiciones e iluminaciones que las elevan a una categoría superior. Es un maestro.

      La fotografía del viejo camión Bedford rojo cargado de bereberes, corriendo levantando polvo por la garganta con las palmeras, es una de mis imágenes preferidas. Por ello la incluí como la primera imagen a doble página en mi libro "Viajar con tu cámara". Me transmite la emoción del viaje y me recuerda un poco el ambiente "Indiana Jones".

      Gracies pel comentari!

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  5. Una entrada muy interesante que nos permite conocer tu visión de la evolución o incluso me atrevería a decir de la historia contemporánea (aunque hablemos ya del siglo pasado jeje) de la fotografía.
    Me está gustando mucho esta serie porque yo más allá del archiconocido Ansel Adams no tenia ninguna referencia en fotografía de paisaje y naturaleza. Se puede decir que evolucioné de forma inculta en cuanto a referentes en mis orígenes fugaces y tímidos en la fotografía analógica durante mi adolescencia. Hablamos de finales de los 90's y yo muy muy joven para hacer grandes dispendios en revelados.

    Ahora desde la distancia y totalmente acomodado en lo digital debo decir que sin caer en "tiempos pasados fueron mejores" ni nada de eso (me refiero a calidades fotográficas, no me meto en el tema económico ni particular del sector ni global de la economía mundial) estoy disfrutando mucho de estos relatos tan bien estructurados en periodos que nos estas desgranando. Algo así como disfrutar bebiendo un gran reserva.

    Muchas gracias por el esfuerzo que estas haciendo en pro de la difusión de la fotografía tanto actual como de esa época. Es muy interesante conocer la visión de alguien con varias décadas de trayectoria y aún en activo al pie del cañón (que conste que no te llamo "viejo" sino que destaco tu amplia trayectoria).

    Saludos

    Gemma y Dani.

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    1. Evidentemente, esta serie de entradas es muy personal: en aquellos años había muchos otros fotógrafos y autores de gran valor de los que no trato porque no eran de mi estilo o no me caben en este reducido espacio. He realizado una estricta selección (para resumirlo al máximo) en base a mis preferencias personales en aquellos momentos. De hecho he debido partir la década de los 80 en dos partes, como veis, porqué me salía un artículo enorme.

      Cada fotógrafo seguro que conoce o prefiere a otros. Mi mayor satisfacción al realizar este trabajo de recopilación es ver cómo os gustan o sorprenden algunos autores. También me gusta ver como algunos "mayores" (que no "viejos" ;-) ) recuerdan estos mismos tiempos, autores o cámaras. Y para mí, personalmente, me sirve también de repaso mental de mi "amplia" trayectoria, tal y como tú dices.

      Saludos y gracias a ti y al resto por participar con vuestras opiniones.

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  6. He gaudit d'aquesta entrada. Interesant veure les màquines amb que treballaven aquests fotògrafs, els quals desconeixia. La foto de la boira al bosc és de les que m'agradaria aprendre a fer i la del lleopard dalt l'arbre em sembla imponent.

    Salut!.

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    1. La del lleopard del Ziesler és impactant, a mí em segueix encantant tot i els anys que té.

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  7. Muchas gracias Oriol. Una entrada muy trabajada y documentada que nos retrotrae a esos inicios que nos muestran que todo o casi todo está ya inventado por fotógrafos de gran inventiva premonitoria.
    S.Dalton ha sido sin duda una gran inspiración para mi.
    Un lujo!
    Gracias de nuevo por tan trabajada entrada.
    Saludos.

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    1. Paco, viendo tus fotos no me extraña que Dalton sea tú héroe particular. Sus trabajos fueron una revelación para muchos de nosotros, aunque yo luego no me fuera por esa senda de la fotografía de alta velocidad. ¡Gracias por pasarte por aquí y dejar tu opinión!

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  8. Bastantes referentes coincidentes (quizás por la edad ?), pues los podemos considerar los clásicos del color, casi pioneros en el uso aquellas nuevas emulsiones, en un universo fotográfico en aquel entonces, dominado por el B/N (que me sigue enamorando un poquito más).
    Por el contrario cada vez recurro más a mirar estas fotografías para desintoxicarme de muchas de las imágenes actuales!
    En un universo de hdr's dolientes y atardeceres propios de otro planeta, ver una foto de, por ej, E. Porter, de un negativo de los 50 y positivada a finales de los 70, después de más de 20 años!, por Dye Transfer, simplemente, alivia el alma!....esos colores tienen algo!..
    Como bien dices, una gasolinera y un cielo de Meyerowitz... yo no he visto nada similar en digital, quizás será por el 8x10”?.
    Infinidad de fotógrafos más actuales como Christopher Burkett, Charles Cramer o David Ward con fotografías inigualables, para VER, realizadas sobre película, y no es cuestión de formato, Galen Rowell trabajaba en 35mm.
    Algunos, sucumben, más por una desaparición de los materiales con los que trabajaban y por una mayor comodidad en su trabajo, que por una “mejor calidad” del resultado final.
    Nada, Oriol y seguidores, perdonad el rollo, y felicitarte por estos siempre interesantísimos artículos, que sin duda, pueden ser muy útiles para tus más jóvenes seguidores, sólo comentarte, que últimamente, aparece una cierta pátina nostágica en algunos artículos (hasta incluiste un post sobre el festival REVELAT).....¿será que has descubierto ese “algo” que no tiene el digital?, o tal vez, ¿que nos hacemos mayores?

    Un Saludo

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    1. Jose, me ha hecho gracia lo de los "HDR's dolientes". La técnica no tiene nada malo de por si, pero sí cómo algunas personas los están utilizando, que da pena verlo. Un Kodachrome o un Fujichrome Velvia tenías que dispararlo y lo que salía ya era definitivo: encuadre, luz, contraste, color. No se retocaba. O eras bueno o lo que salí era una porquería incorregible.

      Meyerowitz es brutal. Creo que el primer reportaje lo ví en la francesa Zoom y me dejó impactado. Tiene fotos muy melancólicas que destilan algo especial. Y a mí siempre me ha gustado lo melancólico.

      Interesante tu comentario sobre la pátina de nostalgia (supongo que viste también el post que hice hace poco sobre los laboratorios cerrados de Barcelona). No, no es ganas de volver a la película. Me siento supercómodo en el digital y pienso que puedes hacer lo mismo que en película... y más cosas. Pero una tiene una cierta edad y muchos recuerdos de cosas hechas a sus espaldas. Y buscando motivos para artículos en el blog recurro a cosas que he hecho a lo largo de toda mi trayectoria. No sé si volvería a la época de película, pero me gusta mucho haberla vivido.

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  9. Madre mía, cómo he disfrutado leyendo y mirando!
    Un abrazo!

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  10. Hay autores buenos, ¿eh, Martin? ;-)

    La verdad es que me entusiasmo recordando autores, escribiendo estas entradas y buscando enlaces y no sé si nadie los sigue después. Pero en esta serie de artículos hay muchas cosas por ver si vais siguiendo los enlaces a las respectivas webs.

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